主題專欄 2026年4月15日

誠品主題專欄｜Art Central 2026淺談

撰文香港誠品書店

一年一度的「Art Central」於3.29（日）結束，作爲年度藝術界盛事，本年齊集 117 間畫廊及逾 500 位來自香港、亞洲與世界各地的藝術家，規模較去年更盛。除了「Neo」、「異體雕塑及裝置項目」等往年常設專題；本屆特設「Central Stage」全新專題，展出六位曾參與國際大型展覽，或接受過重要公共委託的藝術家作品，為大家呈現目下的藝術趨勢。

凌培詩《白鏡——内觀之境》，2026

「Central Stage」的藝術家ELNAZ JAVANI令人驚艷，她的創作善於突破織物的二維界限，用刺繡、印染、層疊剪裁及縫紉，將織物塑造成具空間感的軟雕塑，從而探索身份經驗和文化記憶等命題。ELNAZ JAVANI成長於伊朗德黑蘭，後於2013年移居美國，離散經驗讓她長期思考與母國文化的聯繫，早前作品There Is Nothing Underneath Me以洋蔥、茶為布料染色，加以燒灼、撕裂、捆扎，造成類近身體器官的形狀，其下再繡上土耳文或波斯文，表達肉身在不同語言及文化下拉扯、角力的掙扎。

ELNAZ JAVANI, There Is Nothing Underneath Me, 2012
©elnazjavanii.com

類似的思考在她本次的參展作品The Fate 有更深入的發揮，在重組、拼貼的二手男士服飾繡入波斯語及阿塞拜疆語書法，衣料的舊有歷史痕跡，與繡字併軌，衣物，以及所穿著的人的經年流動（或可稱之為遷徙/漂泊），象徵著藝術家以及更廣泛一代人的離散經驗。而重製的衣料不止步於歷史的回溯，隨著縫合、延伸，成為了一襲新的時裝，為離散體驗中的複雜身份作了物質意義上的說明。

ELNAZ JAVANI, The Fate, 2024
©elnazjavanii.com

ELNAZ JAVANI, The Fate, 2024
©elnazjavanii.com

她另外有些更為抽象、晦澀，卻引人入勝的創作，類似作畫的形式，但以布料的剪裁表達異空間；以縫線展現肢體的變化；以染印渲出情緒的狀態，充滿個體化隱喻。是次參展品Sunrise Green，巨大的拼布「馬頭」（金色鬃毛以不規則印染），馬身似乎印有旗幟，旗幟上密線縫紉的人，對比背景簡線縫紉的人群，影射個人與集體？或有更深層次的，例如宗教式的解讀……? 盡然無法完全了解作品的真實意向，但在使用織物傳遞抽象意涵上，ELNAZ JAVANI展現了相當高超的技術和藝術觸覺，令人期待她未來更多的發表。

ELNAZ JAVANI, Sunrise Green, 2023-2024

其他展區則韓國藝術家尤見出彩。韓國的藝術家Sangwon Lee 的Floating people，以俯視的角度捕捉泳池內人頭湧動的畫面，鳥瞰視點將人簡化成為與自然融為一體的點與線。藝術家早期創作已展現「去主體性」的傾向，筆下描摹的作品多為面目模糊的群像，惟早期創作用色比較寡淡，2016年開始了「Floating Series」之後，轉向用色明亮的泳池、泳灘，但仍貫徹採納基礎線條的做法，作品遠觀為水上浮動的物像，近觀會發現是寥寥數筆的顏料疊加而成，營造流動的感覺。去主體的操作捕捉了現代人生活的橫斷印象，高速節奏將人壓縮成為一個場景，但倘若這個「場景」是休息、娛樂的「場景」呢？出乎意料地減去了既定的時間焦慮，提供了觀賞的愉悅感。

Sangwon Lee, Floating people, 2024

Sangwon Lee, Floating people, 2024

韓國藝術家擅於物料的探索，創作不限於畫筆畫布。筆者去年曾經分享Kim Kang Yong和Sang Min Lee的參展作，前者在創作中加入沙粒以模擬磚塊的實感；後者以鑽石沙紙打磨玻璃，營造光影的虛實線條，以探問真與假，物有無的問題。今年，Kim Duck-Yong的作品Ocean Rhapsody以古木作畫，配合珍珠貝母，珍珠貝母因為有機物質和碳酸鈣結合而成的結晶，發出虹彩，配合木的紋理，營造出天然的海浪波紋。雖然構圖、風格是現代的，但因為材質的特殊，他的作品給人一種實在的古意，及與自然接觸的親密感。

Kim Duck-Yong, Ocean Rhapsody, 2025

另一位藝術家Seungtaik Jang則以有機玻璃為材，作品Layered Painting以壓克力顏料反覆堆疊在有機玻璃上，色彩在交融的過程，產生不同的光澤和深淺度，每幅的工序雖然相近，產出的效果卻截然不同，以探問繪畫的本質。

Seungtaik Jang, Layered Painting, 2023

同樣來自韓國的Haru K，是位八十後藝術家，面對西方文化於首爾奧運後開始衝擊本土文化，開始以韓國食物為題材，繪製新派水墨畫。在他的作品中，本土食材例如泡菜、飯捲、辣炒年糕，被放大成為畫作主角，並玩味地轉化為其他物事，陌生化的過程讓本來普通的食材開始有了性格，突出了韓國食物刺激的口感、辛辣的氣息。本屆的展品就以韓式釜飯、九折板作為主角，釜飯的蔬菜時而化身密林，時而狀似山巒，縮小的人像在其中穿梭，食材的枝節被當作山坡、奇坳；九折板中央的薄餅則變作溜冰場，細看下有人在垂釣、滑行，興味十足，用色、派布卻又不失山水畫的雅緻。

Haru K, Delicious Landscape (Bibimbap), 2026

Haru K, Delicious Landscape (Bibimbap), 2026

Haru K, Delicious Landscape (Gujeolpan), 2026

Haru K, Delicious Landscape (Gujeolpan), 2026

除了平面畫作，裝置藝術也有不少有趣的作品。泰國的新銳藝術家Sareena Sattapon 的錄像裝置You and me and everyone we have met: Hong Kong，連結泰國農村到東京都市的錄像——翻騰的建築物，無盡的窗戶，那些在社會中日復行進，勞動的人，從直面的屏幕無法得知他們的面貌，反而需從地上十八塊鏡片的折射中，拼湊出零碎的畫面——正如他們被日常忽略一樣。而在低頭注目的同時，觀賞者與影像融合，動態地參與其中，與他人連結，自覺自已都是社會結構的其中一員。

Sareena Sattapon, You and me and everyone we have met: Hong Kong, 2026

另一個勾起筆者興趣的藝術裝置，是Orange Terry 的《信仰現成》，藝術家將教堂長椅重置成環迴的型態，按作品描述所說是「將長椅從其原本的宗教邏輯中剝離出來，使其成為一個內省而非崇拜的場所」，以「遊走於功能性物品和雕塑作品之間的灰色地帶」。常見教堂長椅的結構：硬木座、跪階、一體化的窄長几、背後容納經書的欄跚，禱告時雙膝跪下雙手合十支撐几上，仰頭就能看到聖像，我們對這種物料及型態，已經有慣性的社會賦義，但作品打破了之間的邏輯。圓環的設計，首先瓦解了向上求索的可能（你只能平視對面的人），功能上，從禱告的原生語境，甚至一躍成為孩童嬉耍的「旋轉杯」。同時無論在外推動還是在內端坐，參與者都需要重覆經歷同一動作、視點，個體的律動恆定，但外圍的變化不定，如何保持節奏、或坐立的姿態（跨坐？正襟危坐？雙腳離地？），全憑自己的意向（又或是外力的速度），驅使你無法不專注於自身。

Orange Terry, 《信仰現成》，2026

Orange Terry本身從事產品設計，對於物料及其使用做了不少探索，前作《30張櫈》啟發自「三十而立」的概念。椅子的功能是用來坐，但如果不能坐的椅子，還可以算是椅子嗎？《30張櫈》將30張學校椅子疊加，形成大型裝置，這些架空的椅子雖然不是用來坐，但似乎象徵了「坐過」的經驗累積，「三十而立」除了是直觀上三十張椅子的疊起，也是在說明記憶與歷練。

Orange Terry，《30張櫈》，2024
©MING'S

是次觀展匆匆兩小時，很多作品未能盡錄，口袋名單包括Niluh Pangestu（印尼視覺藝術家，以亞麻油氈版畫Linocut printing探討神話元素）、栗原十五（日本當代藝術家，以金箔與墨捕捉禪意）、呂鵬（中國當代藝術家，將傳統戲劇、民間傳說回置現代語境，塑造超現實寓言），這些都讓筆者留下印象，希望未來能夠再話筆墨細談。