從管風琴到搖滾樂，關於那些電影不可或缺的電影配樂

撰文 FLiPER（棠）

當一聽到《水行俠》的配樂時，腦中就浮現主角亞瑟跟著梅拉搭著潛水艇深入海洋，到進入亞特蘭提斯華麗又壯闊的場景，隨著音樂一下，海中城市的景致和亞瑟驚訝的表情彷彿就出現在眼前。電影配樂就如同一道料理的調味料，只把劇本、演員這些食材搭在一起沒有辦法創造出佳餚，好的調味料可以讓料理昇華，而電影配樂這個調味料也因應著時代的演變不斷的進化，而一切就從最早的默劇時期開始說起。

一切都從無聲開始

在 1890 年代的電影是以黑白默片的形式放映，雖然默片中沒有任何聲音，然而為了掩蓋放映機發出的噪音，電影院通常都會找人彈奏鋼琴或管風琴作為配樂，這是最早形式的電影配樂，直到 20 世紀初期，有聲電影的出現後，配樂開始變得精緻，1933 年《金剛》的出現，原本看似滑稽的特攝道具猩猩，在緊湊的管弦樂之下，原本看起來像是玩具在打架的畫面增添了更多緊張的氛圍。

艾佛瑞·紐曼 (Alfred Newman) 的出現更是奠定了管弦樂在電影配樂的重要性，他創造的 20 世紀福斯配樂，從連續的鼓聲帶動著管樂器進場，把觀眾期待的心情，用浩大的管樂將興奮的情緒層層堆疊最後做一個盛大的收尾，迎接正片的開始，這樣的旋律流傳了超過 70 年的歷史，也讓這短短 25 秒的配樂成為電影音樂界的典範。

福斯偶爾也會依照電影的不同而改變曲風，然而最經典的主旋律仍歷久不衰。

管弦樂大放異彩的二十世紀

在劇本敘事上，有個概念稱作「母題」，母題就是能夠代表劇情的元素，轉換到音樂上則是能夠讓人一聽就知道是哪個曲子的旋律。管絃樂的風格相當多變，在 1940 到 1960 左右，許多作曲家不單純只是將管弦樂作為基底，有些人加入民謠吉他、爵士樂、人聲的搭配，讓樂曲在不同題材的電影有了更好的發揮，像是家喻戶曉的《頑皮豹》就是應用爵士的曲風，將母題不斷重複，營造頑皮豹詭譎又逗趣的氛圍。

另一個經典的例子則是《007》中，約翰·巴瑞 (John Barry) 所做的詹姆士·龐德的主題曲，將樂團的性質帶入管弦樂中，將龐德冷酷的形象描繪的更加深刻，並用連續吉他聲作為基底，再帶入管弦樂的磅礡，把龐德帥氣的武打畫面及飛車鏡頭都映入腦海，經典的配樂加上爽快的動作場面，《007》就此成為特務片中的標竿。

英國創造出強悍中帶有紳士氣質的《007》，義大利的塞吉歐·李昂尼 (Sergio Leone) 執導的《荒野大鏢客》三部曲，不但是名導昆汀·塔倫提諾、吳宇森的啟蒙之作，更是成為後世西部片的傳世聖典。除了將亦正亦邪的俠盜精神帶入劇情，作為塞吉歐的配樂師顏尼歐·莫利克奈 (Ennio Morricone) 功不可沒，顏尼歐用吉他、聲樂搭配的最終對決樂曲，將西部牛仔拔槍決鬥緊張的情緒透過分鏡和旋律不斷累積，最後分出勝負，帶來劇情的最高潮。

原本導演在腳本上只用兩頁寫誰贏誰輸，顏尼歐的配樂加上分鏡的安排，讓這兩頁的劇本成為西部片史上的經典

60、70 年期間，許多作曲家決定拋棄舊有做法，選擇用流行民謠代替古典配樂，直到約翰·威廉斯 (John Williams) 的出現又把古典樂做了一個全新的進化。約翰本身是爵士鋼琴家，然而他的風格卻不局限於古典，《大白鯊》中鯊魚襲來的進行曲，聽起來似乎只用兩個音符作為母題不斷重複，事實上是由兩個音符帶領了整個管弦樂團進場，鏡頭不需要帶到鯊魚本身，只要音樂一響起，大家都知道，那隻殘暴嗜血的怪物正游過來。

在 1970 年喬治盧卡斯 (George Lucas) 的《星際大戰》問世之後，在美國造成轟動，不論大人或小孩都前往電影院觀賞當年相當精緻的科幻巨作，星戰三部曲不僅在票房、劇本、藝術層面上帶來全新的感受，而約翰威廉斯的創造的樂曲更是讓人沉浸劇情中，不論是天行者路克在雙日下感悟到自己身分決定成為反抗軍的配樂，抑或是在《帝國大反擊》中營造達斯維達肅殺恐怖氛圍的進行曲，都是經典之一，而主題曲搭配飛行字幕這樣的傳統，從 1970 年的星戰到最新的第八部曲依舊沿用著。

到 1990 年與史蒂芬史匹柏合作的《E.T.外星人》將配樂昇華成為劇情的一部份，埃利奧特在最後送 E.T. 時，搭配著哀愁的音樂，小男孩眼光泛淚看著 E.T.，一句「I’ll be right here.」後就分離，旋律的情緒隨著它與埃利奧特越來越遠而增強，直到關上飛行船的一瞬間，音樂驟停，悲傷的情緒突然被阻斷，直到飛行船離開地球劃出一道亮眼彩紅時，音樂再次高亢起來，用更響亮的樂聲告訴觀眾，E.T. 離開了，但過去美好永遠都停留在大家的心中，把淚水轉換成笑容送它離去。

90 年代至今：科技與古典的碰撞

在 90 年後期，隨著硬體技術的發達，一位德國的音樂製作人改變了業界的遊戲規則，將電子音樂、混音器使用在傳統古典樂上，他是漢斯‧季默 (Hans Zimmer)，知名的作品有《獅子王》、《神鬼戰士》、《神鬼奇航》、《蝙蝠俠》、《全面啟動》等，他得過 4 座格萊美獎，2 項金球獎和奧斯卡獎，更被《The Daily Telegraph》譽為百大在世的天才之一。

在奧斯卡最佳電影《神鬼戰士》的最後一幕中，麥希穆斯在競技場倒下時的配樂《Now We Are Free》，在當時討論畫面時，季默第一個直覺就是將柔和的女聲帶入去襯托死亡的悲傷，而雷利‧史考特 (Ridley Scott) 將廣闊的麥田畫面表達離別帶出的靜謐，這首既安詳又磅礡的樂曲讓《神鬼戰士》的結尾有個溫柔的收尾。

《神鬼奇航》則是視覺與聽覺最盛大的結合，季默將旋律緊密排列，宛如把齊柏林飛船（英國搖滾樂團）用管弦樂來詮釋，這樣的做法從未有人嘗試，用古典的管弦詮釋搖滾風格，曲子中有高低起伏，有激情也有溫柔，再融合劇中神秘奇幻的海上故事，每當一聽到《神鬼奇航》的母題，就知道那個瘋癲的傑克船長來了。

季默的作品在與克里斯多福·諾蘭 (Christopher Nolan) 合作後更上一層樓，《蝙蝠俠：黑暗騎士》作為影史上最傑出的蝙蝠俠電影之一，在最後一幕，蝙蝠俠決定承擔殺死哈維市長的罪惡，鏡頭轉向擊碎蝙蝠信號燈、刪除韋恩企業的秘密資料等，在漸漸絕望的氛圍底下，配著不斷重複的母題旋律，緩慢拉長的弦樂聲，伴著追緝蝙蝠俠的警察，最後持續的鼓聲配上騎車離去的蝙蝠俠，以及寫著「The Dark Knight」標題的結尾，將承擔罪惡的蝙蝠俠化作永遠的英雄。

季默的風格常以壯闊、史詩為主，在這樣的風格之下，卻也可以將感性帶入其中，《全面啟動》就是代表之一，在唐姆完成潛入夢境改變意識的任務後，醒來的唐姆感受不到完成挑戰的喜悅，而是因反覆失去親人的折磨之下開始懷疑現實，配樂輕緩溫柔，時起時伏，彷彿顯示唐姆內心，想要確認是否是現實抑或是騙人的美夢，最後旋律漸強，直到他回到家中看到自己的兒女，樂聲突然變小，將重點轉換到旋轉的陀螺上，最後尖銳的長音停在上面，給予觀眾無限的猜想。這首《Time》不只讓我們體會唐姆內心的煎熬與對家庭感情，更把結尾的問題從畫面和音樂留給了觀眾。

在 90 後，除了使用合成器的古典樂師興起，另一方面，許多電影開始找流行樂團或是非古典的樂手跨領域創作，以《社群網戰》為例，這部獲得奧斯卡最佳配樂的電影，其配樂是由九寸釘樂團（NIИ）的主唱特倫特·雷澤諾 (Trent Reznor) 與阿提克斯·羅斯 (Atticus Ross) 兩人負責，他們是搖滾樂手起家，不同於大部分學習古典樂的配樂師，他們用自己的直覺和經驗進行創作。《社群網戰》的配樂如同一個情感的調色盤，其中帶有不安色彩的柔和琴聲，讓這個故事不只是描述科技，也襯托出了人性與關係。

音樂在文化的共同性是沒有邊界的，不論在哪個地方、哪個世代，在響起曾經聽過的電影配樂時，電影劇情就會在腦中浮現，也是連結情緒的媒介。混音技術與硬體設備至今仍然不斷地在進化，未來可能會有更嶄新多變的旋律和樂曲出現在電影中，下次去電影院看電影時，不妨注意一下它的配樂，會讓體驗有不同的感受。

｛本文經授權轉載自FLiPER（電影中不可或缺的靈魂元素，一窺電影配樂的發展歷史）｝

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